Глава 1. Мэри Раштон и носочки.

Прежде чем рассмотреть историю смешанной техники в кукле, давайте начнем с того, с чего начинала одна из самых успешных производителей кукол Америки 1950х - Мэри Раштон – с куколок из носков - stockinet dolls.

Куклы из трикотажа были популярным увлечением для прихожанок американских церквей в 1890-1910х, такие куклы шились вручную, дамы расписывали их лица маслом, шили одежду. Отдельные группы женщин при разных церквях создавали кукол в маленьких количествах для местных детей – на продажу или для благотворительности.

Детям важно играть с такими куклами для развития социальных навыков и просто для удовольствия, женщины понимали это и из доброты занимались изготовлением игрушек вручную за небольшие деньги или бесплатно, и любые куколки пользовались спросом.

Куклы различались на вид, были менее искусные или поаккуратнее - зависело от мастерства женщины.

Ценятся редкие куклы того времени от сестер Пфоль – Pfohl Meggie Bessie Dolls. Мегги и Бесси тоже работали при церкви, они были талантливыми рукодельницами, занимались с местными детьми разными художественными дисциплинами. Им нравилось мастерить игрушки и придумывать игры для ребят из округи.

Сестры взяли за основу выкройку своей мамы, доработали ее с помощью подруги и создавали кукол из ткани, расписывая им личики и рисуя волосы.
Они начали брать заказы на свои игрушки, старались держать цены на низком уровне, чтобы все дети в округе могли себе позволить покупку.

Мегги и Бесси работали вдвоем, каждая выполняла свою часть по шитью и росписи, одежду иногда шили сами или покупали дешевую в лавочках, поэтому за период 1890-1940 было произведено всего лишь от четырехсот до пятисот кукол.

По всей Америке люди разрозненно создавали кукол из кусочков тканей, не было фабрик, пока не наладили производство чулочно-носочного трикотажа.

Мэри Раштон родилась в США, с детства увлекалась куклами и продолжила создавать их из текстиля, даже когда вышла из возраста таких игр.

Глава 2. Куклы с лицом-маской.

Куклы из первой главы были полностью текстильными и расписаны вручную, но уже в 1900х люди начали думать, как улучшить производство кукол, чтобы получалось дешевле, быстрее и интереснее.

Люди уже умели использовать литографию - печать - вместо ручной росписи, но лица все равно были плоскими.

В 1903м Альберт Брукнер – мастер литографии - запатентовал процесс создания маски для куклы: он наблюдал, как его друг расписывает текстильную куклу и придумал метод выдавливания - чеканку, чтобы черты лица были объемными, а не плоскими, как раньше.

Скоро и другие производители по всему миру начали делать свои маски для кукол.

Технология стала известна и появилось множество разнообразных кукол с лицами-масками из разных материалов.

Маска была сделана из проклеенных слоев бумаги, ткани, позже начали делать маски из композита, фарфора. Эти материалы прессовали в молд – форму, затем расписывали или печатали черты лица.

Вся остальная кукла была текстильной, маска приклеивалась на текстильную голову, волосы делали из пряжи.

На сайтах, посвященных антиквариату пишут, что, кроме кукол-людей, с помощью масок в 1920-1930е делали и животных, но их было значительно меньше, и мне не удалось найти ни одной фотографии или рекламы.

К этому времени производство реалистичной мягкой игрушки-животного уже устаканилось, поэтому в куклах с масками-мордами не было большой необходимости.

Я не вижу вообще никаких кукол-животных среди производителей кукол с масками, даже Madame Alexander, которые делали кукол по образам из популярного кино и анимации, только и сделали трех поросят в 1933 году, но это не смешанная техника, а просто головы поросят на теле детей, у них человеческие ручки и ножки.

К тому же Madame Alexander не выпускали животных, поросята были сделаны разово специально по мультфильму Уолта Диснея.

Я не смогла найти ни одной фотографии или упоминания кукол-животных с лицом-маской из 1900-1930х, а первыми производителями подобных кукол стали Gund – в 1940х.


Глава 3. Gund.

Я нашла несколько обезьян c пластиковыми мордами от Gund в винтажных магазинах, они датированы 1940-1950ми.

Фирма была основа в США в 1898 году, первые годы она специализировалась на производстве мишек Тедди и плюшевых игрушек с механизмами внутри. Их собаки и могли ходить и лаять, а на утках можно было кататься детям. Ранние мишки не сохранились.

Gund - новаторы, они внедряли стандарты производства и безопасности игрушек, договаривались о лицензиях на популярных персонажей кино и анимации.

Но нас интересует смешанная техника!

Эти обезьяны похожи на кукол-людей, поэтому я пришла к выводу, что производство кукол-животных в смешанной технике началось c чего-то, что уже было известно – маски-лица людей, которые широко распространились среди крупных производителей кукол.

Gund могли отработать прототипирование и создание таких кукол на пластике, а позже доработать для Диснея, использовать более совершенный материал – резину, а дизайны мордочек подогнать под стилистику студии – большие глаза и щечки.

Кроме обезьян, у компании были и кошки – мордами тоже очень похожие на людей. Но они не стали любимцами покупателей, пока не приобрели модные черты героев анимации - большие добрые глаза, улыбку и щечки. Таких ранних игрушек мало и их довольно сложно найти.

Gund были экспериментаторы, пробуя разнообразные новые материалы и техники, используя популярные образы типа Пасхального кролика, они изобретали игрушки, которые становились хитами.

Руководство фирмы было сильным в плане маркетинга, Gund лицензировал производство персонажей мультфильмов и кино. Это приносило доход и славу.

Со студией Disney Gund начали работать в 1947 году. Они уже выпустили других известных персонажей – Тигру из Винни-Пуха, морячка Попая Popeye, кота Феликса, а для Диснея создали Микки Мауса и друзей.

Не было единой формы для лицензированных игрушек, Тигра был плюшевый, морячок и кот – мягкие с головами из резины, а Микки и компания обладали лицами из резины.

И для Диснея, кроме этих кукол с лицами-масками, Gund делали плюшевые игрушки, например, у них уже была популярная модель – собака-сумка, для Диснея они сделали такую сумку из пса Гуфи.

Глава 4. Куклы с резиновыми лицами.

Сама идея приобретать лицензии популярных персонажей стала развиваться, с 1940х крупные американские производители игрушек типа Ideal Toys, Gund, Knickerbrocker покупали права на выпуск персонажей не только мультфильмов, но и другие.

С 1944 года Knickerbrocker начали шить полностью мягких медведей Smokey - Смоки был талисманом Лесного ведомства США, через которое шла пропаганда правил безопасности поведения в лесу.

Этот медведь быстро стал узнаваемым в стране, студия Дисней разрешила целый год использовать их олененка Бэмби для рекламы противопожарной безопасности, ведь в конце мультфильма есть страшные сцены лесного пожара.

Когда производство кукол с резиновыми мордами развилось, подобные персонажи тоже превращались в игрушки в этой технике - Смоки с резиновым лицом выпускался фирмой Ideal - это они придумали медведя Teddy - с 1952 года.

Спящие дети, медвежата, чертики с резиновыми лицами стали привычными, и у покупателей появились любимцы.

Самыми популярными стали куклы серии Star Creation от Rushton - компания Мэри Раштон, которая в начале пути шила игрушки из носочков.

Их дизайны разрабатывала ее дочь – Уайт Wight, а также было множество похожих игрушек, которые производили в США, Канаде и Японии.

Игрушки стали такими модными, что другие фирмы без стеснения делали очень похожие дизайны или просто снимали формы с игрушек Раштон. В галантерейных лавочках можно было купить мордочки и личики и сделать куклу дома, их часто шили бабушки и мамы-домохозяйки и украшали ими дом.

Хоть такие игрушки первыми начали делать Gund, копировали чаще всего Раштон, даже сегодня коллекционерам нужно быть внимательными, чтобы не купить подделку. Поскольку фирма существовала до 1984 года, игрушки можно купить только старые.

Самодельные винтажные игрушки из резиновых мордочек, которые продавались в галантерейных лавочках:

В СССР в 1960-1980е тоже выпускали игрушки с резиновыми мордочками, в советском союзе часто заимствовали или перерабатывали идеи дизайна анимации и игрушек из США или ГДР.

Мишка с пальцем во рту – копия японских обезьянок Мончичи, которые в СССР попадали из Германии.

Откуда взялся этот дизайн? Из анимации того периода.

Рисовка анимации персонажей в 1920-30е годы была больше приближена к реальным пропорциям и внешнему виду людей и животных, но к 1940м Дисней и другие студии научились придавать персонажам объем и выразительность через большие круглые глаза и широкий подвижный рот.

Все знаменитые герои успешных мультфильмов и комиксов меняются со временем и становятся на вид младше.

Зрители сами направляли аниматоров в сторону выразительных антропоморфных животных с интеллектом. С ними хотели играть дети, производителям игрушек оставалось выпускать кукол в стилистике мультфильмов.

Через резиновые морды можно в точности передать формы их лиц и мордочек.

Студия Уолта Диснея стала отправной точной игрушек, которые мы делаем сегодня. Дисней имели большое влияние на все сферы развлечений: они первыми сняли звуковой цветной анимационный фильм «Белоснежка и семь гномов» в 1934, они хотели передовые технологии для своих – первых в мире – парков аттракционов «Диснейленд», они задавали моду в анимации, они развивали маркетинг через продажу лицензий на своих персонажей производителям игрушек и всего остального.

Это не были какие-то новости в мире маркетинга, мерч по популярным произведениям литературы и реальным персонажам делали и до Диснея.

Не только Дисней делали анимацию и антропоморфных животных, не они одни работали и осваивали новые технологии и области развлечений.

Но такого масштаба и влияния на весь мир до них не было никогда.

Студия захотела, чтобы их животные думали.

Через животных аниматоры рассказывали истории, которые могли бы случиться и с людьми, это влияло на их внешний облик и поведение.

Первые их мультфильмы - короткометражки с Микки Маусом – такие хулиганские, что доброго нежного мышонка не узнать. В них он курит и шлепает сосиску по попе за плохое поведение. Микки нарисован более взрослым.

Люди в первых мультфильмах тоже более взрослые - по пропорциям и чертам лица. Но среди Белоснежки и семи гномов - первый полный метр Диснея - зритель выбирает гномов, потому что они наполнены жизнью, эмоциями, за ними интересно наблюдать, им сопереживаешь, гномы как дети, хотя носят бороды. По пропорциям гномы тоже похожи на детей.

Уолт Дисней не специально выбрал антропоморфных округлых персонажей с богатым характером своими главными героями, сам зритель подсказал, кто ему нравится больше всего.

Когда мы смотрим анимацию, такие герои не просто так привлекают больше нашего внимания и отзываются в сердце. Это явление эволюционного характера.

Когда ребенок растет, его пропорции меняются, сперва голова занимает больше места относительно всего остального тела, глаза новорожденного по диаметру сразу составляют 75% от диаметра глаза взрослого, а мозг к трем месяцам по объему вырастает до 55% от взрослого мозга. Тело относительно головы маленькое, голова и глаза - большие.

Биолог Конрад Лоренц выяснил, что эти детские особенности внешности вызывают во взрослых инстинкты любви и заботы.

Это касается и животных, когда мы видим котенка или фотографию котенка, мозг реагирует так, что нам хочется приласкать и покормить его.

В мультфильмах этот принцип развивался, потому что аниматорам надо было создать связь зрителя и персонажей, заставить зрителя сопереживать героям, полюбить их. Поэтому все протагонисты имеют детские черты облика, а злодеи – взрослые.

Сами студии не задумывались об этих научных аспектах, это эволюция, которая позволила людям строить сложные социальные отношения. По сравнению с другими сухопутными млекопитающими, взрослый человек ближе всего остается к своему детскому образу - у нас мало шерсти на теле, а лица плоские, с хорошим обзором нашего выражения, чтобы другие люди могли легко и быстро считывать нашу мимику. По мере роста череп человека по форме меняется намного меньше, чем у обезьян.

Это отражается также в том, сколько времени человеку нужно, чтобы стать самостоятельным. В то время как животные с небольшим объемом мозга отделяются от родителей за год, как лемуры или гепарды, дети продолжают быть зависимы от родителей шестнадцать-восемнадцать лет, а сейчас, с развитием инфантилизма и усложнением социальны связей сегодня человек остается ребенком еще дольше.

Пусть люди растут, но не все они вырастают.

Глава 5. Япония.

Япония важна для нашего исследования, но важной она стала не сразу. Закрытая от внешних связей, Япония расплатилась за свое затворничество - первые десятилетия двадцатого века страна шла по стопам западного мира, который грубо вторгся на ее культурную и физическую территорию и заставил играть по своим правилам и общаться.

В период 1880-1970е Япония производила огромное количество всевозможных кукол и игрушек для западного рынка. Страна экспортировала в США и Европу, причем эти игрушки внешне были европейскими, их делали специально для продажи за границу.

Для себя игрушки Япония тоже производила, но в меньших количествах: были и деревянные сувениры, народное творчество по сказкам и фольклору, мягкие маленькие игрушки из шелка - традиция, пришедшая из Китая.

Японцы научились делать и кукол-людей с лицами-масками, как и остальные мировые производители с 1920х и вводили в практику все технические нововведения, производили игрушки из пластмасс и жести - tin toys.

С 1880х до 1954 года японцы выпускали множество целлулоидных игрушек не очень высокого качества, мало что физически сохранилось. В 1954 году США запретили ввоз изделий из целлулоида, поскольку это легко воспламеняющийся материал, японцы сразу же изобрели sofubi – мягкий винил и через год возобновили ввоз игрушек в Америку.
Винил не воспламенялся, был не очень дорогим, как и целлулоид, из него легко получаются игрушки различных форм.

Как и в США и Европе, в Японии нет никаких игрушек-животных с мордами-масками до 1950х, когда игрушки Rushton стали популярны.

Их подделывали в разных странах, в том числе в Японии.

Дальше Раштон потеряли свои позиции и закрылись к 1984му, а дизайн такой игрушки с резиновой антропоморфной мордочкой, огромными глазами и щеками вышел из моды и стал считаться китчем - дурным вкусом.

Но сама техника осталась с нами навсегда и все время появлялись новые популярные куклы.

В 1974м появились знаменитые на весь мир японские обезьянки Monchhichi, у них тоже были мордочки и лапки из резины, а остальное – из ткани. Сделала их старая японская фирма Sekiguchi – они работали с 1918 года и практически всегда шли за трендами американских производителей.

Мончичи продавались в Европе и США, попадали даже в СССР.

Но все равно массового влияния Японии на мир кукол долго не было - до того, как Япония не начала выпускать качественные анимационные фильмы – аниме. Случилось это только в 1958 году.

Когда аниме получило распространение на Западе, Япония сама начала оказывать сильное культурное влияние на другие страны.

Глава 6. Гремлины.

Важная точка для современной авторской игрушки – фильм «Гремлины» Стивена Спилберга 1984 года.

До гремлинов уже были «Звездные войны» и «E.T.», которые давали топливо для создания игрушек в смешанной технике – Йода, эвоки и инопланетянин из E.T., но к 1980м образ милого умненького питомца кристаллизовался в персонажа, который выглядео, как ожившая игрушка.

«Гремлины» – это концепт, который сейчас широко распространен.

Небольшой необычного вида, который не развит интеллектуально на уровне человека, как Микки Маус, но и не является просто животным или игрушкой для обнимашек, как Тедди.

Такой концепт изобрел Дисней еще в 1930е, когда начал вводить главным героям маленького side-kick – товарища, не совсем питомца, а более умного и умеющего больше обычной собаки. Некоторые даже могут разговаривать, как рыбка Флаундер из «Русалочки» или это могут быть даже люди, как младший гномик из «Белоснежки и семи гномов».

Визуально гремлины дали некоторым современным авторам нужную идею, какие игрушки делать, потому что гремлины и есть игрушки, в фильме это куклы, изготовленные из силикона и искусственного меха.

Эволюция кукольной мультипликации – переход от более взрослых персонажей к округлым и миленьким детям – не шла по стопам рисованной анимации потому, что кукольной анимации было меньше, она редко была коммерчески успешной, делать ее значительно сложнее, дороже и дольше, чем рисованные мультфильмы. Еще кукольная анимация - поле экспериментов, потому что почти все, кто выпускал такие фильмы, придумывали, как построить и анимировать кукол, не были никаких школ и готовых формул. В мире кукольной анимации намного больше нестандартных проектов, потому что их просто меньше.

Но это не отменяет законы эволюции, по которым людям больше всего нравятся мультяшные персонажи с детскими чертами лица, поэтому самые известные кукольные персонажи из старых кинофильмов и мультфильмов – это очаровательные Чебурашка, девочка с собачкой из «Варежки», дракон Фалькор из «Бесконечной истории», домовенок Нафаня, мишки эвоки из «Звездных войн», персонажи улицы Сезам и прочее подобное.

Концепт гремлинов был основан на образе лемура и сказок о домовых.

Во время Второй мировой войны также широко распространились легенды среди военных, что это маленькие хулиганы, которые портят технику и вредничают.

Гремлины-могваи из фильма – идеальный персонаж для воплощения в качестве игрушек, ведь они не обычные питомцы, на вид похожи на детенышей, могут повторять за человеком короткие слова, могут что-то делать лапками с пальчиками, в них совмещены пушистые элементы с выразительными веками и ртом без шерсти, они эмоциональны, как люди, гремлины могут быть героями сами или товарищами для главных героев.

Вы узнали типаж? Это покемоны, Стич из «Лило и стич», миньоны из «Гадкий я» и другие – все это гремлины в разных вариациях.

Дети сразу же захотели себе такие игрушки, а в фильме по размеру и дизайну это готовая кукла в смешанной технике. Поэтому не было большого труда наполнить рынок мерчем и собрать урожай из похожих по концепту фильмов Critters 1986, Munchies 1988, Hobgoblins 1988. Только авторы этих фильмов забыла сделать милую форму зверушки, в этих фильмах они все сразу страшненькие, поэтому такими хитами не стали.

Гремлины также вдохновили создателей игрушки Furby пятнадцать лет после выхода фильма, а даже если и не вдохновили, студия Warner Brothers подготовила иск на несколько миллионов долларов против компании Hasbro, которая выпустила Ферби.

По ранним эскизам видно, что старались сделать что-то еще, но скетчи быстро становятся похожими на гремлинов.

Стороны согласились создать игрушку – смесь гремлинов и Ферби, которая вышла через год после выпуска оригинальных Ферби – в 1999.

Чтобы Ферби оставили в покое, Хасбро уменьшили им уши, и больше претензий к фирме не было.

Ферби стали невероятным хитом, потому что это была первая подобная игрушка, выпущенная на волне интереса к роботам и искусственному интеллекту - Ферби не просто умел делать что-то однотипное, его можно было обучить словам, он реагировал и взаимодействовал с человеком.

Но успех Ферби длился не очень долго, мода на искусственный интеллект прошла, первые восторги быстро сменились на раздражение, уже через два года продажи упали. Hasbro пытались несколько раз воскресить Ферби – в 2005, 2012, 2018, но каждый раз это был недолгий всплеск.

Возможно, эти игрушки еще слишком несовершенны, чтобы стать товарищами детей - они не способны дать простор детскому воображению, потому что слишком умничают, делая вид, что что-то понимают, но и могут выступить объектом проекции для воображения и игры, потому что если вытащить из него батарейки, создается ощущение, что он мертв.

Когда зритель видит персонажа Гизмо, ему хочется поиграть с ним, но наполнить игру жизнью может только сам человек силой своего воображения.

Глава 7. Полимерная глина.

Пришло время узнать, когда стала возможна работа с полимерной глиной, ведь сегодня это – основной материал для современных кукол в смешанной технике.

Лео Бакеланд изобрел полимерную глину, когда искал синтетическую форму шеллака. Шеллак добывают из насекомых-червецов, а Бакеланд запатентовал полимер, который можно было получить в лаборатории, назвал его бакелитом – в 1909 году.

Из бакелита можно сделать много чего, в России с 1913 тоже изобретали различные пластмассы для производственных нужд из таких материалов, как бакелит и отечественный карболит, делали настольные лампы, детали тепловозов, медальоны под янтарь и еще кучу всего, включая арт-объекты.
Пластмассы начали развиваться, как новый материал с большим потенциалом.

Бакелит в неотвержденном состоянии легко воспламенялся, и в 1930е искали другие формулы, чтобы создать более безопасные полимеры.

В это время один из таких полимеров попал в руки к немецкой производительнице кукол Кате Крузе, она искала новые материалы в дефицитное послевоенное время, чтобы делать головы кукол на своей фабрике. Кате попробовала игелит – побочный продукт производства машинного масла.

Этот серый материал был непригоден для массового производства, потому что краска недостаточно цепко ложилась на головы, несколько лет игелит не использовали.
В 1941 дочка Кате Софи – ее ласково называли Фифи – прибирала в лаборатории, нашла игелит и начала экспериментировать с ним. Она доработала формулу, чтобы с глиной было проще работать, добавила цвета и начала делать из него миниатюры, мозаику, подошву для обуви. Эту полимерную глину назвали Fimoik и начали продавать в наборе из нескольких цветов в 1954 году.

В последующие десятилетия полимерная глина становилась все популярнее, из нее делали фигурки, бижутерию, небольшие фрески, фимоик использовали для художественных занятий в школах. В 1964 формулу фимоика купил Эберхард Фабер и новый бренд назвал так же в честь Софи – Fimo.

В течение следующих десятилетий фимо проник на все континенты и во все страны, из него делают все: от детских поделок до высокохудожественных украшений.

Начиная с 1965, бренд Фимо выпускает разнообразную запекаемую полимерную глину и другие материалы для творчества, брошюры с идеями, как можно ее использовать, вводит новые цвета.

С 1940х Фимоик и после – Фимо - экспортировали за границу, другие производители разрабатывали собственные формулы полимерной глины, в 1950х случайно была изобретена полимерная глина Sculpey, сперва она называлась Polyform.

Скалпи – главный конкурент Фимо, ее открыли в США в 1950е случайно, поскольку изначально этот белый полимер хотели использовать в технических целях, но он не подошел.

Формула и ассортимент Скалпи, как и Фимо, постоянно улучшалась и расширялась, а с 1984го года бренд представил свою первую цветную глину.

Примерно в это же время запекаемая полимерная глина уже стала распространенным материалом для кукол и поделок.

Кроме нее, существует также и глина, которая засыхает на воздухе. Из нее тоже делают кукол в смешанной технике, но я не буду ее рассматривать в этой статье, поскольку она слишком хрупкая и меньше подходит для таких работ.

В СССР тоже была запекаемая полимерная глина, а сегодня есть как минимум три бренда, которые выпускают эти материалы. Из них профессиональные кукольники используют глину Artifact.

Но до 1990х кукол в России из пластики массово не делали.

Глава 8. Шарнирная кукла.

Я предполагаю, что развитие авторской куклы в смешанной технике происходило одновременно в Японии и в США.

Если Япония в начале века только опиралась на тренды и опыт производства игрушек на США и Германии, то с 1960х, когда началось ее влияние на мировую культуру, эти две страны перешли в диалог.

США, Германия и Япония – главные источники вдохновения всех современных кукол в смешанной технике. В Россию и затем СНГ все пришло через энтузиастов, которые привезли кукол и мишек Тедди из Германии в 1990е.

Эти три страны постоянно влияли друг на друга, а затем – на остальной мир, рассмотрим на примере шарнирной куклы – ball jointed doll BJD/БЖД.

История шарнирной куклы начинается еще в античности, мы не будем ее рассматривать, как и антикварную шарнирную куклу из фарфора и композита 19-20 веков. Не бывает абсолютно новых идей, люди с древности изготавливали кукол в разнообразных вариациях, менялись только технологии, материалы, а суть всегда одна - имитация человека и животных.

Сегодня БЖД получили совсем другое визуальное воплощение, старейший мастер, который работал с куклами с подросткового возраста – Simon Yotsuya - Симон Йотцуа, родился в 1944м году, начал делать шарнирную куклу с 1965го.

Он вдохновился эстетикой работ немецкого фотографа Hans Bellmer Ханса Беллмера, который создал серию кукол и фотографий этих кукол в 1934м.
Сам Ханс взял за основу немецкую деревянную шарнирную куклу 16го века, которую увидел в музее Кайзера Фридриха. Это большие манекены с круглыми шарнирами:

Беллмер противопоставил своих кукол нацисткой идее совершенного тела, его привлекала эстетика юной женщины, а также несчастная любовь юноши и робота-автоматона, описанная в опере Оффенбаха.

Симон Йотцуа увидел в журнале серию «Кукла» Беллмера в 1965 и начал создавать шарнирных кукол. До этого он работал со статикой.

Его первые куклы продолжают исследования человека, интерес к механихизации, но в дальнейшем искусство куклы вышло к более общей эстетике тела.

Его куклы стали прародителями современной стилистики БЖД, скорее всего он работал с папье-маше и другими материалами, который застывают при высыхании. Сегодня есть разные виды таких масс – Ladoll, Paperclay, Jovi.
Ладолл и прочие – это вроде папье-маше, но сильно измельченного, из них можно сделать детализированные формы.
Они удобны тем, что после засыхания на модель можно нанести новые слои или убрать старые.

Шарнирная кукла из Ладолл довольно хрупкая, поэтому сейчас с деталей кукол снимают форму с помощью силикона, а затем отливают в современных полимерах – полиуретане, или же изготавливают из фарфора.

Шарнирная кукла стала проникать в культуру Азии, из первых отдельных авторов кукол в единственном экземпляре вырастали японские, корейские и китайские бренды, старейший из них – Volks.

Изначально Volks выпускали расходники и garage-kits – наборы для самостоятельной сборки и раскраски моделей – фигурки по мотивам кино и аниме, их делали из полиуретана, поэтому и кукол решили делать из этого долговечного и удобного материала. В основном эти киты покупали мужчины, спустя пятнадцать лет после открытия Volks решили предложить шарнирных кукол, чтобы привлечь и покупательниц.

Volks выпускают как своих персонажей, так и кукол по аниме, манге. Кроме готовых образов, Volks предложила этих кукол в качестве конструктора: можно было самостоятельно расписать БЖД, купить или сделать для нее одежду, глаза, волосы, аксессуары.

Volks популяризовали БЖД в Европе – через Германию - и США, привезя их на выставки в 2004 и 2005.

В Корее с 1980х работал мастер Bimong, он самостоятельно научился искусству шарнирной куклы и обучил других авторов, я знакома одной из них – Gu Mi Jung, она начала делать кукол в 2001м.

Такие отдельные авторы либо самостоятельно вели бизнес по созданию и продаже кукол, либо отдавали свои модели для продажи в компаниях типа Volks, например, Gu Mi Jung работала с корейским брендом Dollmore.

С 2003 года БЖД стали интересовать США, Европу. Благодаря распространению Интернета о них стало известно и в России.

Все новые коллекционеры и мастера начали пробовать себя в этом увлечении, для кого-то шарнирная кукла стала профессией.

Изначально информации было не очень много, поэтому отдельные новые авторы в Америке, Франции и России изобретали новые дизайны, находили другие технические решения для шарниров, способы производства кукол – 3D-моделирование и печать.

Сегодня БЖД – культура, хобби, бизнес, где есть место каждому. БЖД в кино – фильм «Кукольник», 2004, на обложках тетрадей, на брелках, в высокой моде и у селебрити. БЖД вынудили производителей масс-маркета типа Mattell поменять малоподвижные тела Barbie на тела, которые могут принимать любые позы.

А все началось с серии фотографий Ханса Беллмера 1934го года.

Глава 9. Смешанная техника.

Продолжим разговор о смешанной технике и животных.

В большой степени интерес к современной авторской кукле пришел из кино и телевидения.

Но нет единого источника вдохновения, с 1950х все начинает смешиваться, в 1980х началась эра авторских игрушек.

Почему в 1980х? Да, кукла была с человеком с доисторических времен. Да, детские игрушки с древности изготавливали штучно или партиями. Да, в 18-20 веках и в Европе, и в Азии были высококачественные дорогие коллекционные куклы для детей и для взрослых. Да, с техническим прогрессом детские игрушки начали производить в больших количествах и продавать по низким ценам.

Но никогда до 1980-1990х куклы не имели такой популярности среди людей всех возрастов!

Весь 20й век шел к авторской игрушке, какая она есть сегодня.

Мультипликация Уолта Диснея, начавшись с 1930х, а позже и японское аниме с 1960х подняли возраст аудитории «детских» развлечение с нуля до бесконечности.
Гений Уолта Диснея обратился ко «внутреннему ребенку», который есть в каждом взрослом.

Развилась детская литература, до того не было специальных книг для детей и подростков, ими стали «Винни Пух», рассказы о Муми-троллях, книги Астрид Линдгрен. Волшебные миры Толкиена захватили планету. «Внутренний ребенок» взрослых принял ее тоже, людям хотелось снова научиться радоваться после тяжелых мировых войн и прятаться в сказке от реальности.

Инфантилизм, который широко распространился в 1980х и стал новой нормой развития человека в США, а потом и в Европе, и России, помог развитию творческих увлечений, который раньше могли бы считаться «несерьезными».

Технический прогресс сделал доступными материалы, из которых любой мог бы создавать поделки дома. Полимерная глина, силикон, полиуретан, синтетические ткани, искусственный мех, акриловые краски… Все это можно было купить легко и просто.

Через телевидение, кино, радио, комиксы, журналы, книги люди увидели персонажей и кукол, которых захотели иметь дома, сделать самостоятельно.

Кукольная, покадровая анимация с 1900х развивалась так же, как и другие направления в кино.
Пусть она была намного сложнее, дороже и не так совершенна, как другие техники и спецэффекты, люди сразу влюблялись в кукол типа инопланетянина из E.T. или гремлинов.

Идея, что все, что зритель видел, существует в реальном мире, казалась восхитительной.

Кроме полного метра, телевидение, которое тоже получилось распространение, с 1950х годов показывало миллионам кукольные шоу, в 1980х в США были популярны, например, «Улица Сезам» и «Маппеты». Во всех странах были свои любимые шоу.

Интернет вошел в каждый дом, с появлением недорогих цифровых камер фотографией стало возможно заниматься каждому, а затем выкладывать это в сеть.

Творчество стало доступным, делиться им стало просто, развитие интернета и платежных систем между странами соединили автора, зрителя и покупателя.

Кроме этого, начиная с 1950х, развивалась концепция DIY – do it yourself – сделай и почини сам. Сперва сюрреалисты, дадаисты, а позже и субкультуры типа хиппи, панков, рокеров продвигали рукоделие, создание уникальных, сделанные своими руками вещей, это была смесь борьбы с унификацией, стандартными вещами с фабрики, самовыражения через собственный дизайн и экономия природных ресурсов, потому что вместо покупки новых вещей можно было улучшить или починить имеющиеся.

Культура DIY выступала против чрезмерного потребления и за то, чтобы любой человек мог стать дизайнером и творцом и - одновременно – покупателем творений других людей.

Эти идеи тоже дали развитие дизайнерской игрушке в 1990е.

Россия до советов всегда была интегрирована в мировую культуру и промышленность, мы делали все то же самое, что Европа и США. Иногда мы задавали тон, иногда перенимали что-то из-за границы, но главное – шел диалог.

Начиная с 1920х, когда имперская Россия перестала существовать, наша страна потеряла связи с другими культурами, мешала политика СССР, которая отрезала республики от остального мира, только крупинки всего, что я описываю, доходили до СССР и жадно впитывались населением.
Но как только мы избавились от этой устаревшей системы, в Россию сразу же пришло все, что я описываю – материалы, техники, хобби, выставки.

Россия и постсоветские республики оказались странами талантливых мастеров кукол, хотя в 1990е было много заимствования, у нас появилось много оригинальных авторов, которые нашли свой уникальный стиль и добились уважения среди кукольников всего мира.

Глава 10. Авторские и дизайнерские игрушки.

Мировой бум на игрушки для взрослых коллекционеров начался с 2000х, когда БЖД от Volks стали популярными в Японии и мире, в 1996м была создана японская компания коллекционных игрушек для взрослых Medicom, в 2002 появилась американская компания таких игрушек Kidrobot в США.

Это все были не штучные авторские работы, а виниловые или полиуретановые куклы и игрушки, которые изначально создавались в рамках развития культуры улиц и концепции DIY.

Первая виниловая игрушка – винил -пришла из Гонконга от автора Майкла Лау Michael Lau в середине 1990х, быстро стала популярна во всем мире и продвинула авторскую куклу в 2000х.

Лау хотел запечатлеть эпоху хип-хопа с ее элементами: скейтборд, музыка, граффити. Он придумал создавать персонажей, который не основаны на других произведениях поп-культуры, а отражает его собственный опыт и видение мира.

Идеи Лау поддерживали культуру DIY, он говорил, что “художник работает для себя, дизайнер работает на незнакомца, а ремесленник работает для других», сам же он был смесью всех трех: “artist as working for himself, designer as working for a stranger, craftsman as working for others”.

Успех виниловых игрушек привлекал дизайнеров, владельцев художественных галерей.

Копцепт винила таков, что игрушки создаются небольшими тиражами в соавторстве с различными художниками, а некоторые специально выпускают в нераскрашенном виде, чтобы любой желающий мог придумать и воплотить любой дизайн, какой захочет.

Через Азию весь мир начал выпускать свои игрушки, появлялись все новые авторы:
Takashi Murakami, KAWS, Frank Kozik, Gary Baseman, Tim Biskup, Robert Williams, Brandt Peters, Buff Monster, Devilrobots, Dalek, Joe Ledbetter, Huck Gee, Muttpop, Mori Chack, Paul Budnitz (KidRobot), Ron English, Sket One, Steven Lee & Raymond Choy (Qee), Simone Legno (Tokidoki)

Это были профессиональные дизайнеры, иллюстраторы и художники, часто у них есть была за плечами карьера, но теперь в этот мир могли войти и новые авторы-самоучки, которые делали кукол из подручных материалов у себя дома.

Когда винил приобрел значительную популярность, авторские куклы ручной работы получили зеленый свет в галереи и на выставки игрушек, а также на полки коллекционеров.

Теперь это были не только выставки классических Тедди, будуарной куклы, игрушек для украшения дома, но и новое направление экспериментальной авторской куклы.

Старейшие известные мне авторы начали работать в США с куклами в смешанной технике в 1990х – это Chris Sickels Крис Сикелз и Amanda Loiuse Spayd Аманда Луиза Спейд. Крис родился в 1974, начал делать кукол в 1998, а Аманда родилась в 1980 и со школы делала кукол, в 2009 она придумала Dust Bunnies, которые принесли ей славу.

Криса изначально вдохновили марионетки из местного театра кукол, а Аманда любила кукольные фильмы и телешоу Джима Хенсона – Jim Henson: Muppets, Dark Chrystal, Labyrinth.

Крис работал в качестве фрилансера-иллюстратора, даже через кукол он развивался в другом направлении.

А вот Аманда продавала своих кукол штучно, ее популярность постепенно росла и с 2008-2010 она начала участвовать в выставках игрушек в США.
Направление, которое выбрала для себя Аманда, тогда называлось rag doll – тряпичная кукла.
Эксперименты с такими куклами в Россию пришли из США и Японии.

С 2004 года с такими игрушками в Калифорнии работала Мелли Кёрфи Melita Curphy, она увлекалась лепкой из Sculpey, создавала маски, фигурки, рисовала, расписывала одежду, делала украшения из кожи.

Ее вдохновляли кино, комиксы, фурри, японская культура, легенды и фольклор.

Возможно, это один из первых авторов в США, которая еще в 2004-2005 сделала мягкую игрушку с мордой-маской из полимерки, она сразу же научилась отливать их в полиуретане, а также создавала кукол на каркасе, на вид они напоминали фурри.

Я не могу точно сказать, как она придумала делать маски – либо она взяла идею у кукольников Японии, либо придумала сама, но в любом случае эта идея – маска – пришла из Азии, что хорошо видно по ее первым работам в данной технике, они обладают восточными чертами - крупные глаза, тематика демонов, маски фольклора - кицунэ.

У этих авторов разные источники вдохновения, но в итоге они пришли к одинаковым материалам, которые являются обязательными для каждой куклы: ткани и запекаемая полимерная глина.

Американцы работали со своей глиной Sculpey living doll, ее было достать проще всего, она с 1960х выпускается в США. А японцы в 1990-2000х делали кукол из доступных им материалов – кроме запекаемой глины Cernit, это были другие пластики, которые засыхают на воздухе.

Поэтому я считаю, что запекаемую полимерную глину нам подсказали американцы, хотя техника японская.

В начале 2000х авторская игрушка и винил появились в России и на русскоговорящем пространстве интернета.

Магазин Луноход-1 пытался популяризовать виниловые игрушки и проработал в Москве с 2006 до 2015 года, они писали статьи на тему винила, открыли шоурум в Москве, привозили и продавали новые игрушки и работали с авторскими куклами.

Наши молодые начинающие мастера, которым тогда было 15-20 лет, точно так же, как и Американские коллеги, экспериментировали с тканями и полимерной глиной, и зарабатывали славу через сайты-галереи для художников типа Deviantart и Flickr, которые тогда активно развивались и давали возможность любому талантливому дизайнеру показать свои работы большой аудитории.

Луноход-1 брал на реализацию авторских кукол мастера Марии под ником Santani.

Мария была первой, кто начал создавать их в России.

Она начала с лепки статичных кукол, лепила полностью из полимерной глины или совмещала их с тканями. Через несколько лет она начала делать кукол с мягким телом, это уже были скорее игрушки, а за ней и другие творческие молодые люди начали интересоваться этими игрушками.

Она самостоятельно научилась создавать эти игрушки, увидев что-то подобное у зарубежных авторов. Ее куклы также похожи на куклы из фильмов «Гремлины» и подобных.

Мария аккуратно прорабатывала детали, уделяла внимание качеству куклы. Она начала работать в 15-16 лет и быстро стала звездой галереи Deviantart. Ее первая игрушка в смешанной технике с мордочкой из полимерной глины и мягким телом от 2007 года.

Сантани вдохновила многих других экспериментальных кукольников, которые c 2010 массово начали создавать похожие игрушки с большой маской-лицом из запекаемой полимерной глины или полиуретана, приклеенной на мягкое тело из искусственного меха.

Как и у Мелли, первые ранние игрушки Сантани сильно отдают Востоком, сама идея маски была настолько азиатской, что кукольницы обращались к образам японского фольклора и дизайна. При этом работы мастеров в другой технике и более поздние куклы часто не имеют восточной стилистики.

Позже кукольники начали развивать стиль, который был ближе каждому из них, элементы Японского искусства уходили, игрушки только были технически одинаково, на вид они различались очень сильно.

Были и другие герои на Deviant Art, которые вдохновляли новых авторов на эксперименты с полимерной глиной и тканью.

С 2005 года кукол создавали москвичка Маргарита Гурова и рижанка Владлена Шевелова.
Они тоже стали звездами Deviantart и оказали влияние на развитие новых мастеров.

Вла и Ри стали популярными благодаря смелым фотографиям в стиле эмо, а также куклам и игрушкам, которые шили и создавали в смешанной технике.

Маргарита думала о том, чтобы стать профессиональной кукольницей, но позже выбрала другую профессию. Мы дружим, и я спросила, что ее вдохновляло в то время.

Куклы Ри:

Я начала работать с 2006 года, шила игрушки, рисовала, лепила, фотографировала, коллекционировала азитских кукол Pullip и Momoko.

В 2007 я сделала свою первую куклу в смешанной технике, в 2008 попробовала сделать игрушку с лицом-маской, но я вдохновлялась не Сантани или Miss Monster, а кулками Маргариты Гуровой, случайно увиденной игрушкой азиатского мастера в стиле dolly teddy, и много экспериментировала со всеми доступными мне материалами, поэтому я долго меняла техники, пробуя разное, но мне тоже удалось стать известной и вдохновлять новых мастеров на работу с куклами.

Важный мастер для развития куклы – Катя Гакман, она, как и все остальные, о ком шла речь выше, с детства увлекалась рукоделием, в 2004 в художественной школе ей показали журнал «Кукольный мастер». В журнале Катя увидела кукол из папье-маше и искусственного меха и начала экспериментировать, смешивая материалы, пробовала шить мишек с мордами из полимерной глины. В 2006 увидела кукол Марии Сантани и начала работать с животными в смешанной технике. Катя разработала свой стиль, отточила технику и стала самым продуктивным мастером из всех кукольников.

Несмотря на то, что традиции Тедди к 2000м была сотня лет, а авторские Тедди как направление развивались с 1970х, новые авторы в большинстве своем не заимствовали у своих опытных коллег ни техники, ни образы, ни дизайны.

Я специально привожу первые работы, чтобы показать, насколько разными были люди, которые начинали разрабатывать авторскую игрушку. Всех объединяла страсть к созданию кукол. Было много ссор в начале пути, визуал было таким новым и мастеров было так мало, что, когда они заимствовали друг у друга элементы дизайна и техники, учились друг у друга, возникали обиды.

Это было неизбежно, но зато мощное желание всех популярных сегодня мастеров, их стремление развиваться дали миру свежие игрушки ручной работы, каких раньше никогда не было.

Молодые кукольники не стремились войти в мир Тедди и других традиционных направлений куклы.

Мы искали технические решения для своих игрушек в других сферах творчества и технологий: покадровая анимация, примитивные тряпичные куклы, марионетки, восковые куклы, маски, отливки в пластике, мягкие детские игрушки.

Работая с тем, что было под рукой, вдохновлялись в первую очередь друг другом.

Это напоминает кукольную анимацию – ее много, но каждый автор находит свой подход, как создать и анимировать куклу, будь это жуки на проволоке Старевича или напечатанные на трехмерном принтере лица кукол студии Laika.

Новый пул кукольников не искал готовых материалов или выкроек, а изобретал свое.

С 2010 по всему миру и другие творческие люди зажигались, как спички, просто увидев фотографии кукол в смешанной технике, начинали тоже пробовать себя в куклах. Тогда те первые мастера вышли на высокий уровень работ и их куклы стали привлекать много внимания в интернете, начались публикации в журналах, участие новых мастеров в традиционных кукольных выставках.

Этот суп сварен из множества компонентов на протяжении 20го века:

- доступность качественных материалов, из которых можно сделать детализированные работы дома – полимерные глины и смолы,
- развитие кукольной анимации в кино и на телевидении,
- развитие интернета, соцсетей и цифровой фотографии,
- новые взгляд на творчество и культура DIY,
- новый взгляд на кинематограф, литературу и развлечения для детей и взрослых,
- доступность культур друг для друга,
- массовая продукция игрушек,
- интерес к рукоделию и авторским работам в малых тиражах.

С 2000 до 2015 придумали все основные техники и существующие направления, образы новой авторской игрушки.

В России культура Тедди помогала продвижению этого направления.

Глава 11. Азия.

В Японии с 1990х произошел расцвет кукольного мастерства в технике шарнирная кукла.

Симон Йотцуа открыл школу шарнирной куклы в 1978 году, через три года в этой школе прошла первая выставка работ учеников.

Позже появились и другие кукольники и школы – школа шарнирной куклы Юрико Ямамоши, некоторые из них были вдохновлены Симоном Йотцуа, но отдельные мастера - Tamao, как и Симон, тоже видели в книгах и журналах серию фотографий «Кукла» Ханса Беллмера и с этого начинался их интерес к шарнирной кукле.

Эти мастера начали показывать работы на выставках в Европе, в США. Были и самоучки, которые учились самостоятельно, глядя на работы старших коллег.
Они и ученики мастеров иногда из шарнирной куклы уходили в другие направления: иллюстрация, игрушки в смешанной технике.

С 2001 года работала японская кукольница под псевдонимом Repunkur. Репункур была самоучка, до кукол она училась в Китае традиционным искусствам, увлекалась психологией. Судя по ее ранним работам в смешанной технике, она начала со статичных кукол. С 2007 до 2015 она регулярно участвовала в выставках в Москве.

Даже если Репункур не была первой из новой волны мастеров, кто придумал в подвижной игрушке-животном совмещать искусственный мех с мордочками из полимерной глины – она лепила из Cernit – она была самой известной у нас.

Я не смогла найти никого, кто бы работал в такой технике, до нее.

С 2002 года появилось много авторов, которые начали, вероятно, друг за другом, осваивать этот стиль, некоторые вышли из школы шарнирной куклы Юрико Ямамоши.

Казуми Накаяма Kazumi Nakayama – такой выпускник, с 2002 он совмещал Тедди и лепку:

С 2003 с куклами работала Рири Фукуджу Riri Fukujo – еще одна ученица БЖД мастера Юрико Ямамоши.

В 2009 Рири выпустила линейку кукол Toffee – куклы-девочки.

Мастер RenBear работал с 2002 в этой технике:

Постепенно совмещение Тедди и головы/маски стало обычной техникой, к 2010 множество авторов работали с БЖД, игрушками-животными, сложились визуальные стили внутри этих направлений и все выглядело довольно похожим.

Но как от БЖД японские кукольники пришли к игрушками-животным? Они не изобретали ничего нового, как и в случае с шарнирной куклой – это было новым прочтением классических долли-Тедди, сдобренное трендами 1970х.

Глава 12. Тедди.

В начале статьи нам пришлось проследить эволюцию тряпичной куклы с 1890х, потому что было важно узнать, с чего начинала Мэри Раштон и как она пришла к куклам-животным с мордами из резины и туловищем из пушистой ткани.

Теперь надо обратиться к истории мишек Тедди.

Мишка Тедди был изобретен в 1902 году.

Маргарет Штайфф начала шить игрушки в Германии в виде животных в 1880 – она сшила слона-игольницу по уроку из журнала, но заметила, что с такими игольницами хотят играть дети, и продолжила шить других животных в качестве игрушек.

Ее племянник Рихард присоединился к фирме Штайфф в 1897, когда ему было двадцать лет, году и через несколько лет сделал бренд всемирно известным.

Рихард искал вдохновение для новых игрушек, он вдохновился медведями из бродячего цирка, они умели ходить на задних лапах. Все игрушки до того у Штайфф стояли на четырех лапах, как настоящие животные. Он предложил тете сделать игрушку, которая будет стоять, как кукла.

Первые мишки были сшиты из мешковины и никого не заинтересовали, но после того, как были доработаны крепления, а ткань заменили на пушистый мохер, они обрели успех.

В 1904 предприниматель из США Джордж Боргфельд увидел новую мишку, которого назвали «друг Петц» на ярмарке игрушек в Германии, заказал партию из трехсот штук и начал импортировать их и другие игрушки Штейфф в Америку, где они хорошо продавались.

Идея медведя пошла от президента США Теодора Рузвельта. В 1902 году Рузвельт был на охоте на медведей, в первый день они никого не поймали. Тогда на второй день для него хотели привязать медведя, чтобы он мог с легкостью убить его и не разочароваться в поездке. Но президент сказал, что это неспортивно, и приказал убить измученного и раненного медведя.

Эта история попала в газеты и карикатуру увидел владелец грошового магазина сладостей Моррис Мичтон. Его жена Роуз умела шить и они в шутку сделали мишку из вельвета с глазами-пуговками и назвать его медведем президента Тедди – никнейм от Теодора – Teddy's bear. У них было трое детей и она шила мягкие игрушки наподобие в качестве хобби. Видимо, она уже знала «друга Петца», и сделала нечто похожее.

Как только мишку выставили в витрине, десятки покупателей заинтересовались им, и вскоре магазин переделали в мастерскую игрушек. Чета Мичтон отправила одного президенту с просьбой разрешить использовать название «Тедди» для их мишек. Он разрешил и взял этого медведя в качестве своего маскота для кампании на выборы 1904 года.

Мишки приобретали все большую популярность и Мичтоны открыли компанию игрушек Ideal в 1907 году. За девяносто лет существования бренда Ideal придумали несколько других хитов, а мишки стали неотъемлемой игрушкой любого ребенка в стране.

С 1906го года производить популярных мишек стали и другие, а название сократилось до Teddy.

Ранние мишки Ideal были сшиты из разных материалов, не только из мохера:

После США и Германии с 1908го года другие страны наладили свое производство мишек, и эта игрушка захватила всю Европу.

Во время Первой мировой войны солдаты часто брали с собой на фронт маленьких мишек на удачу, в Англии их шила J. K. Farnell - та же компания, которая создала оригинального Винни-Пуха, принадлежавшего Кристоферу Милну.

В других странах мишек для солдат шили матери и жены.

В России до 1920х мягких игрушек не было, традиции мастерства создания наших мишек и других игрушек типа Тедди заложил художник и меценат Николай Бартрам.

Но из-за новой политической повестки развитие Тедди в советское время было сильно сдерживаемо и ограничено – до 1990х.

А в США, Европе с 1930х до 1950х – после расцвета игрушки Тедди – все тоже приостановилось из-за финансового кризиса – Великой Депрессии, которая из США перешла и на другие страны. В 1939 начала Вторая мировая война и многие производства всех стран перепрофилировались ради нужд фронта, развитие игрушек тоже замедлилось.

Мишки вернули свою популярность в 1960е, когда известный английский актер Петер Булл начал рассказывать о своей любви к мягким игрушкам, написал книгу про историю Тедди, выступал на телевидении. Мишек начали коллекционировать взрослые.

В 1970е в США появились первые авторские мишки художницы Беверли Порт и начинается движение. Она делала кукол и для одной из них сшила медвежонка, на выставке кукол 1973 эта работа привлекла внимание. Через год Беверли представила отдельную коллекцию медведей, сшитых по своей выкройке, это стало сенсацией и другие тоже захотели шить медведей. Также Беверли ввела термин «тедди-мастер» в 1974 году.

Глава 13. Костюм зайчика и эскимоса.

В 1890-1900е появились не только мишки-Тедди, но и новый вид игрушки – Тедди долл, это кукла, которая состоит из туловища медведя и головы куклы в капюшоне-медведе.

Существует несколько версий, откуда взялась такая игрушка.

Легенду о том, что после войны на развалинах своего дома мама нашла любимые игрушки своих дочки и сына – Тедди-мишку и куклу, а потом соединила голову куклу и тело мишки, потому что тело куклы и голова мишки были безнадежно испорчены, я не рассматриваю, поскольку это просто миф.

Я думаю, кукла в теле медведя появилась на стыке двух явлений: костюм пасхального зайца и Мэри Пири.

Начнем с Мэри. В 1983 году Мэри стала первым ребенком, который родился на Северном полюсе.

Ее родители – адмирал Роберт Пири и мама Жозефина путешествовали по Арктике, и американская публика начала следить за жизнью маленькой девочки в Гренландии.

Он первым достиг Северного полюса и был известен.

Жозефина написала книжку про путешествия с дочкой, проиллюстрировала ее фотографиями из их поездок. Книгу она назвала «Snow Baby» - малышка в снегу по названию немецких фигурок детей в зимней одежде.

В 1890е эти фигурки придумал производитель сладостей Йоханн Молл для украшения тортов, они быстро стали популярными в Германии, попали в США и тут фотографии Мэри еще больше закрепили их успех.

Образ Мэри был очень востребован, американцы с восторгом следили за ней через газеты, а разные предприимчивые бизнесмены делали деньги на товарах с этим образом.

Таким товаром стали и куклы на шарнирах, они как бы были одеты в теплые эксимосские костюмы, а голова была из фарфора или целлулоида, но костюм не снимался, у куклы было всегда пушистое туловище.

Эти игрушки были очень популярны, но недолго, сохранилось их мало.
Иногда капюшоны повторяют капюшоны эскимосов с фотографий из книги Жозефины, а на ногах и руках – имитация обуви и варежек, но иногла это просто туловище медведя.

Вероятно, так было проще шить на фабриках, где шили медведей, чем разрабатывать выкройки ручек и ножек.

Но я думаю, что Тедди долл обязана так же и традиции наряжать детей в костюмы животных, потому что я нахожу антикварных кукол, у которых тело покрыто мехом кролика и они имитируют наряд зайца.

Кроме таких антикварных кукол, мою мысль поддерживает и огромное количество антикварных целлулоидных кукол в костюме зайца, а также винтажные куклы.

Их делали в Европе, США и Японии – на экспорт с 1890х.

Откуда взялся этот костюм зайца?

Osterhase – Пасхальный заяц или кролик, его придумали немецкие лютеране. Как Санта Клаус, пасхальный кролик приносит детям, которые хорошо себя вели, подарки на Пасху – сладости и яйца.

В 1700х немецкие иммигранты привезли традицию пасхального кролика в Америку и так она появилась в США.

Образ зайца взят потому, что в средние века люди прочитали у Плиния и Плутарха, что кролик – гермафродит, поверили в это, а значит, он может размножаться без полового акта. Кто еще так сделал? Невинная дева Мария, Богоматерь! Поэтому в церковной традиции было много мотивов, связанных с кроликами, даже Святая Троица из кроликов.

Также есть другие гипотезы возникновения образа зайца, главное – этот популярный персонаж плотно вошел в культуру Европы и США, а в 19м веке началась традиция наряжать детей в костюм кролика на Пасху, появились открытки на эту тему, статуэтки и игрушки.

Традиция изображать детей в костюме пасхального кролика была намного больше отражена в игрушках на протяжении 20го, чем Snow Babies, но для возникновения dolly teddy они обе важны.

И вот японские кукольники в 1990-2000х, спустя сто лет после первых таких кукол, стали делать похожие работы, а потом придумали одевать в костюм животных не только людей, но и самих животных!